10 главных молодых художников России

Искусство

Ирина Шульженко

18 декабря 2020 15:25

Конкурс проектов Nova Art раз в два года помогает молодым художникам реализовать свои идеи и получить поддержку профессионального сообщества. По просьбе «Афиши Daily» галеристка Анна Нова и другие эксперты выбрали десять самых перспективных молодых художников, работающих в России прямо сейчас.

Эксперты

• Виктор Алимпиев, художник
• Светлана Баскова, режиссер, основатель института современного искусства «БАЗА»
• Арсен Готлиб, кинопродюсер, коллекционер
• Сергей Лимонов, инвестор, коллекционер
• Игорь Маркин, основатель музея «Арт 4», коллекционер
• Анна Нова, основатель галереи Anna Nova
• Николай Палажченко, руководитель факультета «Арт-менеджмент и галерейный бизнес» бизнес-школы RMA
• Светалана Тейлор, куратор, преподаватель
• Вера Трахтенберг, куратор Cultural Creative Agency
• Ирина Шульженко, куратор, журналист
• Юрий Юркин, искусствовед

Евгений Антуфьев

34 года

Первая выставка Евгения Антуфьева «Объекты защиты» прошла на площадке «СТАРТ» еще в 2008 году. Антуфьев родом из Тувы — республики, где оккультные практики до сих пор не утратили своего значения. Его объекты, напоминающие предметы шаманского культа, находят все больше почитателей на мировой художественной сцене: в 2011-м Антуфьев стал участником выставки «Остальгия» в нью-йоркском «Новом музее современного искусства», а в 2016-м — представил свой проект в рамках «Манифесты-11» в Цюрихе.

Елена Артеменко

32 года

Елена Артеменко — скульптор и видеохудожник. Одна из центральных тем ее творчества — телесность. Для проекта Allowed Sweets Артеменко делала слепки с тех частей тела иранских женщин, которым позволено быть открытыми для посторонних глаз. Однако ее последняя работа — кинетическая инсталляция «Временный ландшафт» на «Электрозаводе» — обозначила новое направление и задала новую планку.

Ян Гинзбург

32 года

В своих проектах Ян часто обращается к наследию художников нонконформистов (не так давно он даже сменил свою фамилию на фамилию своего учителя, неофициального художника Иосифа Гинзбурга). При этом творческий метод Яна вовсе не сводится к research art. Работая с архивами и артефактами, Гинзбург создает объекты и инсталляции, которые с его легкой руки обретают свойства экспонатов или реликвий — пусть и не столь отдаленного прошлого.

Алиса Йоффе

32 года

Алиса Йоффе успешно сотрудничает не только с российскими галереями, но и развивает карьеру в Европе. Не так давно художница приняла участие в проекте одной из самых авторитетных галерей европы König Galerie, а одежду с принтами на основе ее графики несколько лет подряд выпускает культовый бренд Comme Des Garçons.

Влад Кульков

34 года

Петербургский художник Влад Кульков учился в академии Штиглица и аспирантуре Русского музея, однако не меньшее влияние на него оказали путешествия по Центральной и Южной Америке, поездки в Непал и Долину Смерти. Экспрессивные абстрактные полотна Кулькова напоминают окна в неведомый мир, в котором остались лишь слабые отпечатки присутствия человека.

Тимофей Радя

32 года

Уличный художник из Екатеринбурга с философским образованием успешно сотрудничает с музеями и институциями, предпочитая оставаться в тени и сохранять дистанцию. Радя покорил публику своими емкими и лаконичными работами («Я бы тебя обнял, но я просто текст», «Они ярче нас», «Кто мы, откуда, куда мы идем?»), смысл которых считывается сразу, не теряя при этом масштаба и глубины.

Алексей Таруц

36 лет

В своих перформансах и выставочных проектах Алексей Таруц задает вопросы, принципиально оставляя их без ответов. Художник предстает в образе идеального рыцаря от искусства, и этот образ поддерживают артефакты в виде боевых доспехов и сторожевых башен, будто «оставленных» на выставке. Таруц весьма радикально миксует медиа: частью инсталляции может стать и живой перформер, и отпечаток лица художника на стекле.

Александра Сухарева

37 лет

В 2012 году Александра Сухарева стала единственным российским участником проекта Documenta в Касселе, а два года спустя приняла участие в европейской биеннале современного искусства «Манифеста». Очертить творческий метод Сухаревой непросто. В разных проектах она обращается и к теме отражений, и к феноменам химических процессов (выбеливание холста хлором, коррозия) как к платформам «для нериторических форм записи знания», и к вопросам судеб конкретных людей в контексте коллективной исторической памяти.

Екатерина Муромцева

30 лет

Отучившись на философском факультете МГУ, Муромцева окончила школу им. Родченко, и уже первая персональная выставка «На своем месте», проходившая в Институте философии РАН, привлекла пристальное внимание художественной общественности. Все работы Муромцевой — будь то тотальная инсталляция или серия акварелей — носят остросоциальный характер, при этом, по словам художницы, ее интересует «повествование, где документ и художественное воображение накладываются друг на друга».

Сергей Сапожников

36 лет

Сергей Сапожников известен сегодня прежде всего как фотограф, однако начинал он свой творческий путь с граффити в родном Ростове-на-Дону. В 2014 году персональная выставка Сапожникова под кураторством Франческо Бонами прошла в миланском Музее Польди-Пеццоли. Не его фотографиях часто невозможно отделить модель от ландшафта, фон сливается с человеческими очертаниями, превращая снимок в абстрактный коллаж с эффектом трехмерной реальности.

расскажите друзьям

теги

МГУРАН

люди

Евгений АнтуфьевЕлена АртеменкоАлиса ЙоффеВиктор АлимпиевСветлана БасковаАрсен ГотлибИгорь МаркинНиколай ПалажченкоСергей Сапожников

Cube.Moscow — арт-платформа современного искусства в центре Москвы

Перейти к содержанию

Молодые перспективные художники

• Продано

О нас

Cube. Moscow – арт-платформа с миссией популяризировать современное искусство и коллекционирование в России. Став образовательной и дискуссионной площадкой, Cube.Moscow создает дополнительные условия для вовлечения российского зрителя в современный арт-процесс.

Узнать подробнее о CUBE

ОТЗЫВЫ НАШИХ ГОСТЕЙ

Очень атмосферное место

Очень много экспонатов, у некоторых можно залипнуть надолго.


Белые стены, вообще все белое. Поэтому глаза и мозг в буквальном смысле отдохнули. Там несколько галерей, разных, по своему интересных.
Удивило, что такое место находится под самой дорогой Гостиницей в России, будто в другой мир попадаешь. Есть кстати место, чтобы посидеть поработать. Не знаю, можно или нет, но если разрешат, то для деловых встреч вообще идеальное место!

Сергей

Отличный сервис

Это художественная галерея на -2 этаже отеля Ритц. Раз в месяц обновляют экспозицию. Всегда интересно к ним зайти. Около каждого стенда всегда есть консультант, может рассказать о произведениях искусства, которые можно купить кстати!

Екатерина Иванова

Очень стильный арт-центр с прекрасными работами современных художников!

Мария Казакова

Яркое инновационное пространство.

Что-то вроде творческого коворкинга (только не рабочие места, а выставочные). 10 галерей-резидентов с лекторием и приятным кафе. Все современно.
Экспозиция меняется несколько раз в год.
Местоположение пусть вас не смутит — премиальный Ritz Carlton приютил галерею на своём -2 уровне. Впрочем художникам не привыкать размещаться в подвалах или на чердаках…особенно если это в 100 метрах от Кремля…
Однозначно рекомендую к помещению.

Sergey Bombusov

Прекрасное пространство дающее возможность художникам представить свои работы в самом сердце Москвы!

Ирина Белопухова

В центре столицы можно знакомиться с передовыми направлениями современного искусства.

Алехандро Мендоса-кирога

Одно из лучших выставочных пространств для современного искусства в Москве. Идеальная локация и интересные проекты!❤️

Saida Saidushka

Супер-место! Эпицентр современного искусства и вдохновляющих встреч.

Анна Швец

Современное искусство доступно! Всем смотреть, покупать работы художников в магазине cubed_art_shop

Тамила Хлебникова

Выставочный зал -коворкинг Cube расположен в самом центре Москвы, в цокольном помещении гостиницы 🏨 Ritz Carlton. В помещении есть кафе бар, конференц-зал. Удобен для проведения выставок и других полезных мероприятий. По ценам за коворкинг и конференц — зала не уточнял. Информацию можно получить на сайте. Был на выставке российских художников в этом помещении, 06.03.2020г, вход был бесплатный. Остался доволен, следите за новостями по проведению мероприятий. Приходите, не пожалеете, рекомендую!👍

Алексей Южный

Оставить отзыв

Правила посещения пространства Сube.Moscow

Ознакомиться

— проблема тут

Please leave this field empty.

Благодарим вас за сообщение!

{{{ data.variation.

price_html }}}

{{{ data.variation.availability_html }}}

11 самых известных русских художников

Для обычного любителя искусства многие имена в этом списке из знаменитых русских художников не являются общеизвестными именами, но есть и гиганты мира искусства.

В то время как Франция и Италия доминируют в таких течениях, как Ренессанс и Импрессионизм, Россию в основном будут помнить как создателя основателя абстрактного искусства Василия Кандинского.

Для западных глаз большая часть русского искусства будет загадкой, но русская культура имеет долгую и богатую историю, и ее искусство ничем не отличается.

Вот некоторые из самых известных русских художников, которые когда-либо брали в руки кисть.

1.

Василий Кандинский

Кандинский родился 16 декабря 1866 года в Москве. Кандинский был теоретиком искусства и художником. Он считается основоположником абстрактного искусства.

Его абстрактная композиция VII является одной из самых известных когда-либо созданных русских картин.

Ранние годы Кандинский провел в Одессе/Украина. Кандинский окончил Одесское художественное училище имени Грекова, где позже поступил в Московский университет, где изучал экономику и право. О своем успехе Кандинскому предложили должность профессора в Дерптском университете. В возрасте 30 лет Кандинский начал заниматься живописью.

Читайте также: Известные художники Украины

Василий Кандинский поселился в Мюнхене в 1896 году. Сначала учился в частной школе Антона Азбе, где позже поступил в Академию изящных искусств. В 1914 году он вернулся в Москву после начала Первой мировой войны.

Кандинский сыграл ключевую роль в культурном управлении Анатолия Луначарского и участвовал в создании Музея культуры живописи.

Кандинский также преподавал в архитектурно-художественной школе Баухаус в Германии с 19С 22 по 1933 год. Позже он поселился во Франции как гражданин и прожил там до конца своей жизни. Кандинский умер в 1944 году в Нейи-сюр-Сен.

2.

Марк Шагал

Марк Шагал родился у Мойше Шагала 6 июля 1887 . Шагал был русско-французским художником, связанным с несколькими стилями искусства и различными художественными форматами, такими как рисунки, живопись, книжная иллюстрация, керамика, декорации, витражи, репродукции и гобелены. Марк Шагал был белорусским евреем по происхождению.

Перед Первой мировой войной Марк Шагал несколько раз побывал в таких местах, как Париж, Санкт-Петербург и Берлин. Он создал свою уникальную смесь и современное искусство в связи с еврейской народной культурой и идеей Восточной Европы.

Шагал провел военные годы в советской Белоруссии, стал одним из самых знаменитых художников страны и авангардистом. В 1923 году перед отъездом в Париж он основал Витебское художественное училище.

Марк Шагал считается крупным еврейским художником и основоположником модернизма. У Шагала было двое детей; Ида Шагал и Дэвид Макнейл. Он умер 28 марта 1985 лет, 97 лет.

3.

Иван Айвазовский

Иван Айвазовский родился 29 июля 1817 года. Он был художником позднего романтизма и считается одним из величайших мастеров морского искусства. Айвазовский родился в армянской семье , проживающей в Черноморском порту Феодосии в Крыму.

В начале 1840-х годов Айвазовский после учебы в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге путешествовал по Европе. Во время своих визитов в Европу Айвазовский недолго жил в Италии.

Вернувшись в Россию, Айвазовский был назначен художником Российского флота, так как был близок к политической элите Российской империи и военным. В свое время Айвазовский был очень известным художником, и государство его тоже спонсировало.

Его работа «Девятый вал» — одна из самых знаковых когда-либо созданных картин океана.

Иван Айвазовский был очень многолюдным и в других государствах, кроме Российской империи. Айвазовский провел несколько выставок в США и Европе.

За свою 60-летнюю карьеру художника Айвазовский написал около 6000 картин. Поэтому он считается одним из самых плодовитых художников. Он умер 2 мая 1900 года в возрасте 82 лет.

4.

Илья Репин

Родился 5 августа 1844 года в Чугуеве Харьковской губернии. Художник-реалист. Он наиболее известен своим русским искусством 19 века, в котором его место в мире было сравнимо со Львом Толстым в литературе.

Его работы относятся к художественному движению соцреализма.

Его роль была решающей в утверждении европейской культуры в русском искусстве. Некоторые из его основных работ: Крестный ход в Курской губернии; 1883 г., «Бурлаки на Волге»; 1873 г.; и Ответ запорожских казаков; 1880 по 1891 год.

В 1863 году Илья Репин поступил в Петербургскую художественную академию, где обучался живописи. Однако сначала ему пришлось поступить в подготовительную школу Ивана Крамского.

Репин ездил в Запорожье за ​​материалами к «Ответу запорожских казаков» 1880 года. Он также преподавал в Высшем художественном училище при Академии художеств. Илья Репин был награжден орденом Почетного легиона в 1901. Умер 29 сентября 1930 года.

5.

Михаил Врубель

Михаил Врубель родился 17 марта 1856 года в Омске, Российская империя. Врубель был русским художником, работавшим в различных видах искусства, таких как графика, живопись, теоретическое искусство и декоративная скульптура. В 1896 году он женился на Надежде Забеле-Врубель, известной певице. Врубель часто рисовал ее.

По мнению советского историка Нины Дмитриевой, художественную биографию Врубеля можно сравнить с трехактной драмой с эпилогом, прологом и эпилогом. Эволюция акта была неожиданной и быстрой. Пролог относится к более ранним годам обучения и выбора карьеры.

«Первое действие» началось в 1880-х годах во время его обучения в Императорской Академии художеств, откуда он позже переехал в Киев для изучения христианского искусства и византийского искусства.

«Второе действие» можно проиллюстрировать «московским периодом», начавшимся в 1890 году, когда он написал картину «Демон сидящий», который закончился картиной «Демон поникший» в 1902 году и последующей госпитализацией художника.

Читайте также: Известные картины демонов

«Третий акт» был пережит в 19с 03 по 1906 год, когда художник боролся с психическим заболеванием, которое позже ослабило его интеллектуальные и физические способности. Последние четыре года жизни Врубель провел слепым. Умер 14 апреля 1910 года.

6.

Василий Верещагин

Василий Верещагин родился 26 октября 1842 года в Череповце Новгородской губернии. Верещагин был популярным русским военным художником и получил признание и за границей. Из-за графичности, приписываемой его реалистическим сценам, многие работы Верещагина никогда не экспонировались и не печатались.

В восемь лет Верещагин был направлен в Царское Село для поступления в Александровский кадетский корпус. Через три года Верещагин поступил в Морской кадетский корпус в Санкт-Петербурге, дебютировав в своем первом плавании. Верещагин был первым в списке выпускников военно-морского училища. Однако он сразу же оставил службу, чтобы продолжить карьеру художника.

После двух лет занятий искусством Верещагин был награжден медалью Санкт-Петербургской академии за одну из своих работ в 1863 году; Улисс, убивающий женихов. Верещагин уехал в Париж, где продолжил обучение.

По возвращении в Россию Верещагин возобновил действия русской армии во время русско-турецкой войны. Умер 13 апреля 1904 года.

7.

Валентин Серов

Валентин Александрович Серов родился 19 января 1865 года в Санкт-Петербурге, Российская империя. Его отец, Александр Серов, был музыкальным критиком и композитором. Поскольку он вырос в художественной среде, Серова поощряли развивать свои таланты , где он учился в Санкт-Петербургской Академии художеств с 1880 по 1885 год в Москве и Париже.

Его лучшие работы включали такие портреты, как; «Девушка, залитая солнцем», «Девушка с персиками» 1887 и 1888 гг. С 1890 г. основным жанром творчества Серова стали портреты. В 1889 г. он женился на Ольге Трубниковой. Его семья была подвержена многим из его картин.

В 1900-е годы, в последние годы своей жизни, Серов вступил в русское художественное объединение «Мир искусства». Классическая методология была темой, использованной Серовым во многих его последних работах.

Серов Валентин Александрович умер 5 декабря 1911. Его наследие основано на произведениях русского реализма.

8.

Казимир Малевич

Казимир Северинович Малевич родился 23 февраля 1879 года, русский теоретик авангардного искусства и художник. Малевич считается одним из пионеров и влиятельных художников в развитии абстрактного искусства.

Малевич разработал концепцию супрематизма, так как он родился в Киеве в польской семье.

Он начал работать в различных стилях и быстро освоил движения символизма, импрессионизма и фовизма. После визита в Париж в 1912, он также принял кубизм.

Малевич был преподавателем Киевского художественного института с 1928 по 1930 год. Он также публиковал свои статьи в харьковском журнале «Новая генерация».

Однако из-за репрессий Украины против интеллигенции вынужден был вернуться в Санкт-Петербург. Малевич был заключен в тюрьму в 1930 году на два месяца из-за его подозрительного визита в Германию и Польшу.

Перед смертью 25 мая 1935 года Малевич писал в репрезентативных стилях.

9.

Иван Шишкин

Иван Шишкин родился в г. Елабуге Вятской губернии. Иван Шишкин четыре года учился в Московском училище живописи, зодчества и ваяния.

Читайте также: Известные русские архитекторы

С 1856 по 1860 годы Шишкин после учебы поступил в Санкт-Петербургскую Императорскую Академию художеств.

Он закончил с отличием, а также был награжден золотой медалью. Шишкин также получил императорскую стипендию для продолжения учебы в Европе.

Через пять лет Шишкин поступил в Императорскую академию в Санкт-Петербурге, где с 1873 по 1898 год был профессором живописи. В этот же период Шишкин был руководителем класса пейзажной живописи в лучшем художественном училище Петербурга.

У Ивана Шишкина была дача в Выре, к югу от Петербурга. Он написал одни из лучших своих пейзажей. Работы Шишкина известны поэтическим изображением времен года в дикой природе, лесу, зверям и птицам. Умер 20 марта 189 г.8.

10.

Наталья Гончарова

Наталья Гончарова, самая известная художница России, родилась 3 июля 1881 года в селе Нагаево Тульской губернии. Михаил Ларионов, коллега по русскому авангардному художнику Авы, был ее партнером на всю жизнь.

В 1909-1911 годах Гончарова была одним из пионеров «Бубнового валета». В 1912-1914 годах она была среди основателей московской радикальной независимой выставочной группы «Хвост Донли».

Вместе с напарником Ларионовым они же основали лучизм в 1912-1914. Она также была членом Der Blaue Reiter, базирующейся в Германии. В 1921 г. Гончарова переехала в Париж, где жила до самой смерти 17 октября 1962 г. 4) был русским авангардистом живописец и дизайнер (кубист, супрематик, конструктивист).

Попова была пионером кубофутуризма. Она стремилась к тому, что она называла живописной архитектоникой через синтез жанров.

После занятий импрессионизмом она экспериментировала с особенно русской эволюцией кубофутуризма к 1913 году в «Композиции с фигурами»: слияние двух равных вдохновений из Франции и Италии.

Ее работа 1914 года «Скрипка» предвещает переход от кубизма к серии «живописная архитектоника» 1916–1918 годов. В абстрактной форме эта серия характеризовала ее индивидуальную творческую судьбу.

Попова умерла на пике своих творческих способностей, через два дня после смерти сына, от которого она заразилась скарлатиной в Москве в 1924. С 21 декабря 1924 г. по 25 января 1925 г. в Строгановском институте в Москве проходила значительная выставка ее искусства.

7 Реализованные картины в Москве

Популярно на Британнике

• Новые семь чудес света
• 9 примечательных болотных тел (и что они нам говорят)
• Все 119Ссылки в «Мы не разжигали огонь», объяснение
• 6 вещей, которые вы должны знать о Меган, герцогине Сассекской

проверено Cite

Несмотря на то, что были приложены все усилия для соблюдения правил стиля цитирования, могут быть некоторые расхождения. Пожалуйста, обратитесь к соответствующему руководству по стилю или другим источникам, если у вас есть какие-либо вопросы.

Выберите стиль цитирования

MLAAPAChicago Руководство по стилю

© Сергей Богомяков/Dreamstime.com

Документально подтвержденная история Москвы восходит к XII веку, хотя есть свидетельства доисторического проживания на этом месте. Эти семь картин — лишь малая часть столь же богатого и разнообразного культурного наследия города.

Ранние версии описаний этих картин впервые появились в

1001 картинах, которые вы должны увидеть перед смертью под редакцией Стивена Фартинга (2018). Имена писателей указаны в скобках.

• Троица Ветхозаветная (ок. 1410)

  Андрей Рублев вырос в период возрождения Восточной Православной Церкви и стал одним из величайших русских иконописцев. Учился у Прохора Городецкого и сотрудничал с Феофаном Греком в росписи Благовещенского собора в Москве. Его неповторимый стиль порвал с строгостью формы, цвета и выразительности традиционной русской византийской иконописи и проникся кротостью духа, которую он взращивал в своей подвижнической жизни в монашестве Троице-Сергиевской церкви. Сергиева Лавра. Ветхозаветная Троица (в ГТГ) сразу же была признана важной, и ее формат был быстро скопирован и распространен. Московский Церковный Собор даже вписал Ветхозаветную Троицу в официальный канон как идеальное изображение Святой Троицы. Ветхозаветная Троица также известна как Гостеприимство Авраама из-за ссылки на Бытие 18, где три ангела являются Аврааму в Мамре. Рублев решил не изображать повествовательные элементы этой истории, чтобы передать сложные идеи о троице, о которых много спорят богословы, через один символический образ. Эту икону можно интерпретировать как новозаветную троицу, состоящую из Бога-Отца, Иисуса Христа-Сына и Святого Духа. В данном случае чаша соответствует Евхаристии. Все фигуры держат посохи, что означает их божественность. В своих миролюбивых, спокойных и созерцательных картинах Рублев новаторски применял свое мастерство на службе своим страстным религиозным убеждениям. (Сара Уайт Уилсон)

• Успение Богородицы (ок. 1392 г.)

  Уроженец Византийской империи — отсюда его прозвище «Грек» — Феофан обосновался в Московской Руси около 1390 г. Византия и Россия придерживались православной ветви христианства и традиции иконописи. Успение или вознесение на небо Девы Марии было постоянной темой в православной иконографии. Считалось, что Богородица была погребена в присутствии всех апостолов Христовых, но впоследствии ее гробница оказалась пустой. Традиционное иконическое изображение события, которому следует Феофан, изображает бездыханную Богородицу в окружении апостолов, проявляющих различные признаки горя. За ними два Отца Церкви облачены в православные белые богослужебные одежды с крестами. В сцене доминирует мощная фигура Христа. Он держит душу Богородицы, вырвавшуюся из ее тела, в виде спеленутого младенца. Понятие личности художника и его стиля трудно применить к иконописи, но Феофан был признан необычным в своем подходе. Согласно рассказу современника: «Когда он рисовал или рисовал… никто не видел, чтобы он смотрел на существующие образцы». Вместо этого он был описан как «внутренне созерцающий то, что было возвышенным и мудрым, и видящий внутреннюю доброту глазами своих внутренних чувств». Приписывание этой иконы Феофану иногда вызывает споры, но цвета, драматическая сила, связность композиции и относительная свобода мазка делают ее отличительной. Эта икона, находящаяся в Третьяковской галерее, является объектом огромной духовной силы. (Рег Грант)

• В саду (1898)

  Искусство Эдуара Вюйара ассоциируется с общением семьи и друзей в уютных, временами вызывающих клаустрофобию интерьерах, где пятнистые узоры и сумеречные цвета играют против плоского ощущения пространства. Часто кажется, что фигуры исчезают в узорах. Тем не менее, художник, на которого повлияло символическое и духовное искусство, одинаково чувствовал себя как дома в своих многочисленных исследованиях парижских общественных парков и садов, особенно в серии больших настенных панно для частных покровителей. В таких сценах на открытом воздухе французский художник показал более легкий, теплый, свежий оттенок и, помимо моды fin-de-siècle, совершенно современный вид. Здесь две дамы ищут тень и компанию на плетеном стуле и табурете. Это матери или няни, возможно, наблюдающие за маленькими детьми, играющими вне поля зрения. Пестрые тени и свет на гравии тонко и восхитительно экспонированы, а залитые солнцем пятна «на ощупь» теплые. Вюйар придает садам импрессионистский характер, не теряя при этом своего фирменного интимистского лиризма. Несколько лет спустя он использовал свою камеру Kodak Brownie, чтобы при каждой возможности снимать свою семью и друзей. Хотя он и не был светским человеком, он не был полностью изолирован. с 19С 00 по 1940 год Вюйар продолжал заниматься как в помещении, так и на открытом воздухе, а также более формальными портретами, крупномасштабными украшениями и фресками (включая Лигу Наций в Женеве в 1939 году). В саду находится в коллекции ГМИИ. (Джеймс Харрисон)

• Country Festival (1890)

  Андерс Цорн родился в скромной семье и стал одним из величайших художников Швеции. Он много путешествовал, проводя время в Англии, Испании и Северной Африке, и выполнял международные заказы, включая портреты трех американских президентов. Его талант впервые проявился в его деревянных скульптурах, но вскоре он обратился к рисованию акварелью, что было необычно для того времени. Это оставалось его основным средством массовой информации, пока он не отправился в Корнуолл в Англии в конце 1880-х годов. Это был поворотный момент в его карьере, и он впервые увидел, как он работает маслом. Ранняя картина маслом, Рыбак в Сент-Айвс , был выставлен на Парижском салоне в 1888 году и куплен французским государством. Одним из важнейших аспектов творчества Цорна, особенно 1890-х годов, было его обращение со светом. Здесь, в Country Festival , он использует густую белую сухую краску, рассеянную по холсту, что создает мерцающий эффект яркого солнечного света, отражающегося от движущихся форм. Он скомпоновал картину так, что белые рубашки образуют нежную диагональ, которая наиболее эффектно привлекает взгляд сквозь картину и вдоль линии танцоров. Быстрые мазки и рассыпчатая краска придают картине ощущение энергии и движения. Цорн был чрезвычайно новаторским художником, и он стремился определить новые границы и разработать новые техники в своих работах, наиболее известными из которых являются его эксперименты с изображением воды, одного из его любимых мотивов. Country Festival находится в Пушкинском музее. (Тамсин Пикерал)

• Воскресенье калабрийского рабочего в Риме (1960–61)

  Ренато Гуттузо родился недалеко от Палермо, Сицилия, и в очень раннем возрасте обнаружил свой художественный талант. Гуттузо, которого нельзя было причислить к какому-либо одному художественному движению, во взрослом возрасте руководствовался своими твердыми политическими убеждениями и чувством социальной ответственности. Его прямой и захватывающий стиль живописи раскрывал естественное сочувствие к обычному человеку, стремящемуся найти место для себя в неспокойном климате мира, сначала пережившего войну, а затем оправившегося от нее. В 1945 Гуттузо основал Fronte Nuovo delle Arti (Новый фронт искусств), группу художников, объединенных стремлением разоблачать социальную несправедливость посредством безудержного художественного самовыражения — свободы, которая подавлялась во времена фашистского правления Муссолини. Зритель может легко понять затруднительное положение субъекта в Калабрийское воскресенье рабочего в Риме (также известный как Рокко с граммофоном ; в ГМИИ). Рокко запечатлен в позе моментального снимка, с тлеющей сигаретой в пальцах, крутящейся пластинкой и, что немаловажно, лицом, резонирующим с усталыми эмоциями. Как сказал сам Гуттузо: «Лицо — это все, в лицах — история, которой мы живем, муки нашего времени». Человек и его окружение находятся в унисон — клетчатые крыши перекликаются с смелой красно-черной клеткой куртки рабочего. Он может оказаться в ловушке обстоятельств, но открытое окно предполагает свободу, а граммофон — оптимистичный символ личного выбора. Гуттузо — пример художника, который бросил вызов границам, чтобы создать искусство, обращенное непосредственно к его публике, — художник-мятежник с душой. (Джейн Кросленд)

• Лето (1912)

  Пьер Боннар добился художественного признания и богатства еще при жизни, особенно в 1920-х и 30-х годах, когда его работы хорошо продавались дома и за границей. В 1920-х годах было опубликовано несколько книг о Боннаре (одну из них написал его племянник Шарль Терасс). Хотя он был известен в своей общественной жизни, личная жизнь Боннара часто оказывалась болезненной и сложной. В 1925 году он женился на Марте, одной из своих любимых моделей. Однако ранее он был связан с другой моделью, Рене Мончати. Менее чем через месяц после свадьбы Рене покончила жизнь самоубийством. Ко второй половине 19 в.В 20-е годы Боннар был постоянным гостем в Соединенных Штатах и ​​​​привлек некоторых известных и богатых американских покровителей. В 1928 году он провел свою первую персональную выставку в Америке, в галерее Де Хауке в Нью-Йорке, а затем, в 1932 году, Боннар и Эдуар Вюйар провели крупную совместную выставку в Цюрихском Кунстхаусе. Ле-Канне, небольшой городок недалеко от Канн на Французской Ривьере, стал одним из любимых мест Боннара для рисования, вдохновив его на многие пейзажи. В 1939 году он решил поселиться там, и именно в этом доме он умер в 1947. Боннар был одним из самых выдающихся сторонников импрессионистской традиции, добавляя к традиционным предметам свое собственное живое чувство цвета. Лето находится в ГМИИ. (Люсинда Хоксли)

• Композиция VII (1913)

  В ноябре 1913 года Василий Кандинский написал Композицию VII , самую большую и самую амбициозную картину в своей карьере, в течение трех с половиной напряженных дней в своей Мюнхенская студия. Во многих смыслах это стало итогом всего, над чем он работал в течение предыдущих пяти лет. Кандинский описал свои Композиции как «внутренние видения», аналогичные по форме и построению симфонии. Для «Композиция VII » он провел более 30 предварительных этюдов — больше, чем для любой другой картины, которую он пробовал. Он начал работу в центре левой части кадра, расцветая из этого ядра завитками контрастных цветов, форм и рассекающих линий, чередуя густо нанесенную краску с тонкими мазками. Несмотря на наличие некоторых мотивов из более ранних картин (например, лодка в левом нижнем углу), их назначение здесь неизобразительное. Вот, наконец, живописный язык полной абстракции, хотя и решительно не лишенный смысла.

  No related posts.