самые удивительные архитектурные сооружения в мире

Совершая захватывающие путешествия в далекие страны, старинные города, можно прогуляться по улицам с их нынешней жизнью и представить себя на этом месте сотни лет назад, прикоснуться к истории, увидев великолепные архитектурные сооружения. По ним мы определяем время, историю, статус места и, конечно, уносим с собой хорошее настроение.

Архитектура – это летопись мира. Предлагаем вам познакомиться с выдающимися произведениями архитектурного искусства. Порой стоит просто посмотреть по сторонам, чтобы увидеть работы мастеров своего дела – величественные храмы, соборы, великолепные усадебные комплексы, фронтоны домов, мосты и другие конструкции, которые невозможно не заметить. Приятного путешествия!

Губарева, М. В. Сто великих храмов мира / М. В. Губарева, А. Ю. Низовский. — Москва : Вече, 2000. — 511 с. — (100 великих). — ISBN 5-7838-0506-8.

Посмотреть в электронном каталоге

Книга с предисловием от самих авторов – М.

В. Губаревой и А. Ю. Низовского – рассказывает о великих храмах мира, в которых запечатлелась тысячелетняя история религии и духовных исканий человечества. Из истории мы помним, что люди приносили молитвы и жертвы своим богам, воздвигали для них величественные обители, памятники; украшали их настоящими творениями человеческого гения. В книге из серии «Сто великих» вы познакомитесь с самыми известными памятниками основных мировых религий, вошедших в сокровищницу мирового искусства, начиная от храма Амона в Карнаке до храма Христа Спасителя в Москве.

Архитектура. Для тех, кто хочет все успеть : великие архитекторы и их шедевры, стили и эпохи, памятники архитектуры, архитектурные термины / [автор-состовитель М. Цейтлина]. – Москва : Эксмо, 2015. – 123, [3] с. – (Энциклопедия быстрых знаний)

Посмотреть в электронном каталоге

Сколько архитектурных «жанров» накопила цивилизация? В книге в доступной форме представлен материал об архитектуре Древней Греции, Древнего Египта, Древней Руси. Также читатель найдет здесь ответы на вопросы об архитектуре современной, например, в стиле хай-тек. Это издание – начальный путь познания архитектурных стилей, что наверняка побудит читателя к более глубокому изучению предмета. Например, почему для древних греков религия была непременной составляющей жизни? Как правильно ответить на вопрос, почему все дороги ведут в Рим? Когда и зачем появились витражи? Какой он, русский ампир?

Иванова, Л. В. Шедевры мирового зодчества : 200 шедевров зодчества / Л. В. Иванова. – Смоленск : Русич, 2000. – 288 с. – (Атлас чудес света).

Посмотреть в электронном каталоге

В атласе представлены выдающиеся архитектурные и инженерные сооружения различных эпох и стилей: храмы, замки, крепости, дворцы, мосты, каналы, арки, башни, туннели, небоскребы, статуи и т. д. Материал отобран по принципу «самый-самый»: самый древний, самый большой, самый высокий. В книге даны уникальные разносторонние сведения о шедеврах мирового зодчества.

Практически на каждой странице размещены цветные иллюстрации, схемы.

Гении современной архитектуры : [75 биографий самых влиятельных архитекторов мира : 12+ / перевод с английского Е. Кручины ; ответственный редактор Ю. Орлова]. – Москва : Бомбора : Э, 2018. – 312 с.

Посмотреть в электронном каталоге

Биографии 75 знаменитых архитекторов мира – это увлекательные истории их работ и жизни. Красочные фотографии позволят вам окунуться в мир замечательных творений великих архитекторов планеты.

Текст составлен в хронологическом порядке, что дает полное представление об этапах становления современной архитектуры и ее поворотных моментах.

Книга привлечет внимание профессионалов и новичков.

Для современного читателя будет интересно знакомство с определением концепции пространства из стекла и металла. В конце 19 века при возведении стен не использовали каменную кладку, пространство как бы «перетекало» или «взаимопроникало» по всему зданию – внутри и снаружи. Такое пространство без отдельных помещений появилось в 1900-е годы.

Вторая мировая война разделила архитекторов на сообщества. Стали постепенно меняться и принципы архитектурных стилей. Появился корпоративный стиль – здания из стали и стекла.

В более поздние периоды архитектура становится разнообразной, появляются системы климат-контроля, происходит трансформация художественной образности в западной культуре, наступает эпоха минимализма. Архитекторы пытались и пытаются быть в соответствии с постоянно меняющимися социальными потребностями и технологическими новшествами.

Вестон, Р. Идеи, которые изменили архитектуру / Ричард Вестон ; [перевод с английского С. В. Маненкова]. – Москва : Эксмо : Бомбора, 2019. – 216 с.

Посмотреть в электронном каталоге

Идеи – это то, с чего все начинается! Идеей может быть подход, замысел. Мощные и эффективные идеи носят прозаический характер. Например, свободная планировка комнат была бы невозможна без разработки систем центрального отопления, которые освободили архитекторов от дисциплины размещения каминов и дымоходов.

Концепция архитектуры как вида искусства, зародившаяся в эпоху Возрождения, вела к усиливающемуся разграничению между профессией архитектора и практическим строительным мастерством. Развитие последнего все в большей степени приводило к возникновению новой профессии – инженера.

В книге рассматриваются различные практические средства разделения пространства, например: камин, окно, дверь, лестница, модуль, железо, сталь, лифт и так далее. Текст расположен в хронологическом порядке так, чтобы сначала перечислялись более прозаичные идеи или технические средства, а затем остальные. Имеется краткий глоссарий, который содержит объяснение терминов, встречающихся в тексте. Книга задумана как ознакомление с многообразием идей, которые формируют архитектуру. Публикуемый материал будет интересен широкому кругу читателей.

Айзенман, П. Десять канонических зданий, 1950-2000 : [ перевод с английского Ивана Третьякова] / Питер Айзенман. – Москва : Strelka Press, 2017. – 308 с.

Посмотреть в электронном каталоге

В книге дается оценка десяти очень разных зданий, которые построены с разными целями, в разной стилистике и из разных материалов; также различаются их теоретические и идеологические программы. Умение понимать эти программы требует особых интеллектуальных навыков. Вам станет известен опыт и уроки «пристального чтения» одного из крупнейших современных архитектурных теоретиков, лидера деконструктивизма Питера Айзенмана. Именно «пристальное чтение» определяет то, что до сих пор было известно как история архитектуры. Рассматриваются два периода – канонический и период с 1950 по 2000 год. Но надо учитывать при прочтении, что великие здания находятся вне времени, а канонические отождествляются с определенными моментами времени.

Забалуева, Т. Р. Всеобщая история архитектуры и строительной техники : в 3 ч. : учебник по направлению подготовки 07.03.01 Архитектура / Т. Р. Забалуева ; Национальный исследовательский Московский государственный строительный университет.

Посмотреть в электронном каталоге

Это издание является первой частью учебника «Всеобщая история архитектуры и строительной техники», состоящего из трех частей, и включает наиболее древние периоды становления архитектуры – от первобытно-общинного строя до античного мира Греции и Рима.

Вы познакомитесь с развитием архитектуры протогосударств и государств Междуречья, Египта, древнего Китая и Индии. В книге анализируются архитектурно-стилистические и композиционные особенности архитектурных памятников древнейших эпох, развитие строительного дела, изменения конструктивной основы зданий и технологии их возведения.

Круис, Е. Соборы мира : атлас чудес света / Е. Круис, Б. Риффенбург. – Москва : БММ АО, 1998. – 191 с. – (Шедевры мирового зодчества).

Посмотреть в электронном каталоге

В этой книге представлены шедевры мирового зодчества, имеющие статус собора и демонстрирующие разнообразие архитектурных стилей церковного строительства. Определиться с понятием «собор», читая главы этой книги, очень просто. Собор – это церковь, в которой находится кафедра епископа. Греческое слово «кафедра» означает престол или кресло. В Средние века соборы выполняли различные функции, не только служили местом совершения религиозных служб и молитв, но и были центром общественных собраний; они должны были внушать страх и уважение пастве, давали приют и защиту в период междоусобных войн.

Авторы книги Елизабет Круис и Бо Риффенбург помогут читателю разобраться в распространенном непонимании самой сути понятия: соборами называют большие церкви, подменяя суть статуса геометрическими размерами здания храма. Интересны изложенные в тексте факты из истории строительства крупных храмов, которые возводились веками.

Атлас хорошо иллюстрирован и содержит необходимый комментарий, имеет глоссарий, алфавитный указатель имен и названий, географическую карту мира для более детального поиска

Атлас чудес света : выдающиеся архитектурные сооружения всех времен и народов и памятники : книга-альбом. – Москва : БММ АО, 1995. – 239 с.

Посмотреть в электронном каталоге

Чудо всегда изумляет, вызывает благоговейный трепет. А если великое чудо света – архитектурное сооружение, то это, конечно, чудо техники. Во все времена, начиная от древних каменных исполинов и кончая современными постройками, важно было мастерство и технические возможности строителей. Грандиозные и величественные твердыни были выполнены из мрамора и камня. Читатель, путешествуя с континента на континент, будет удивлен и восхищен чудесами человеческого гения. В книге дана характеристика самым знаменитым сооружениям всех времен с их историей, с цветными иллюстрациями и комментариями к ним

Сокровища России : энциклопедия : для среднего и старшего школьного возраста / автор текста Л. Л. Муравьева, Т. Рудишина ; редактор А. Абрамов ; иллюстрации Е. Володькиной [и др.]. – Москва : Росмэн-Издат, 2001. – 117 с. – (Энциклопедия).

Посмотреть в электронном каталоге

В России живут люди разных национальностей, продолжают развиваться замечательные народные промыслы. О богатой истории России в рекомендуемой энциклопедии вам расскажут древние храмы, монастыри, дворцы и усадьбы известных людей, прославивших Российскую Федерацию. В ней представлены все регионы нашей страны. С гербами русских городов вы познакомитесь, открыв цветную вкладку. В книге несколько указателей, что значительно облегчает поиск нужной информации. Энциклопедия будет интересна для детей и взрослых.

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет. 

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.  

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».  

Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

греческих архитектурных ордеров – Smarthistory

Определите классические ордера – архитектурные стили, разработанные греками и римлянами и используемые по сей день.

---

Архитектурный ордер описывает стиль здания. В классической архитектуре каждый ордер легко узнаваем по своим пропорциям и профилям, а также по различным эстетическим деталям. Стиль используемого столбца служит полезным указателем самого стиля, поэтому определение порядка столбца, в свою очередь, определит порядок, используемый в структуре в целом. Классические ордера, обозначаемые терминами дорический, ионический и коринфский, служат не только описанием остатков древних построек, но и показателем архитектурного и эстетического развития самой греческой архитектуры.

Дорический ордер

Дорический ордер

Дорический ордер является самым ранним из трех классических архитектурных ордеров и представляет собой важный момент в средиземноморской архитектуре, когда монументальное строительство совершило переход от непостоянных материалов (например, дерева) к постоянным материалам, а именно камень. Дорический ордер характеризуется простой, неукрашенной капителью колонны и колонной, опирающейся непосредственно на стилобат храма без основания. Дорический антаблемент включает в себя фриз, состоящий из тригилфов (вертикальных пластин с тремя делениями) и метоп (квадратных пространств для расписного или скульптурного украшения). Колонны рифленые и крепкие, если не коренастые, пропорции.

Иктинос и Калликрат, Парфенон, 447–432 гг. до н. э., Афины

Дорический орден возник на материковой части Греции в конце седьмого века до н. э. и оставался преобладающим порядком строительства греческих храмов до начала пятого века до н. э., хотя известные здания классического периода, особенно канонический Парфенон в Афинах, все еще используют его. К 575 г. до н. э. порядок может быть правильно идентифицирован, причем одними из самых ранних сохранившихся элементов являются метопные таблички из храма Аполлона в Фермоне. Другие ранние, но фрагментарные примеры включают святилище Геры в Аргосе, обетные капители с острова Эгина, а также ранние дорические капители, которые были частью храма Афины Пронайи в Дельфах в центральной Греции. Дорический ордер, возможно, находит свое наиболее полное выражение в Парфеноне (ок. 447–432 до н. э.) в Афинах, спроектированном Иктиносом и Калликратом.

Ионический орден

Ионическая столица, северное крыльцо Эрехтейона, 421–407 гг. до н. э., мрамор, Акрополь, Афины (сегодня Турция), где располагался ряд древнегреческих поселений. Завитки (орнаменты в виде завитков) характеризуют ионическую капитель, а основание поддерживает колонну, в отличие от дорического ордера. Ионический ордер возник в Ионии в середине шестого века до н. э. и были перенесены в материковую Грецию к пятому веку до н. э. Среди самых ранних образцов ионической капители — вотивная колонна с письменами из Наксоса, датируемая концом седьмого века до н. э.

Монументальный храм Геры на острове Самос, построенный архитектором Ройкосом ок. 570–560 гг. до н. э., было первым из великих ионических сооружений, хотя вскоре оно было разрушено землетрясением. Шестой век до н. э. Храм Артемиды в Эфесе, чудо древнего мира, также был ионическим проектом. В Афинах ионический ордер повлиял на некоторые элементы Парфенона (447–432 гг. до н. э.), особенно на ионический фриз, окружающий целлу храма. Ионные колонны также используются в интерьере монументальных ворот Акрополя, известных как Пропилеи (ок. 437–432 до н. э.). Ионический порядок был повышен до внешнего порядка при строительстве Эрехтейона (ок. 421–405 до н. э.) на Афинском Акрополе (изображение ниже).

Северное крыльцо Эрехтейона, 421–407 гг. до н. э., мрамор, Акрополь, Афины

Ионический ордер отличается изящными пропорциями, придавая ему более стройный и элегантный профиль, чем дорический ордер. Древнеримский архитектор Витрувий сравнивал дорический модуль с крепким мужским телом, тогда как ионический обладал более изящными, женственными пропорциями. Ионический ордер включает бегущий фриз непрерывного скульптурного рельефа, в отличие от дорического фриза, состоящего из триглифов и метоп.

Греческий ордер

Коринфский ордер

Коринфская капитель

Коринфский ордер является одновременно последним и самым сложным из классических архитектурных ордеров. Орден использовался как в греческой, так и в римской архитектуре с небольшими вариациями и, в свою очередь, породил композитный ордер. Как следует из названия, истоки ордена были связаны в древности с греческим городом-государством Коринфом, где, согласно архитектурному писателю Витрувию, скульптор Каллимах нарисовал набор листьев аканта, окружающих вотивную корзину (Vitr. 4.1.9).–10). С точки зрения археологии, самая ранняя известная коринфская столица происходит из храма Аполлона Эпикурия в Бассах и датируется ок. 427 г. до н. э.

Лист аканта

Определяющим элементом коринфского ордера является искусно выполненная резная капитель, в которой растительных элементов даже больше, чем в ионическом ордере. Стилизованные резные листья аканта растут вокруг капители, обычно заканчиваясь чуть ниже счетов. Римляне предпочитали коринфский ордер, возможно, из-за его тонких свойств. Орден используется во многих известных римских архитектурных памятниках, включая Храм Марса Ультора и Пантеон в Риме, а также Maison Carrée в Ниме.

Наследие греческого архитектурного канона

На протяжении тысячелетий канонические греческие архитектурные ордера оказывали влияние на архитекторов и их воображение. Хотя греческая архитектура сыграла ключевую роль в вдохновении римлян, ее наследие простирается далеко за пределы античности. Когда Джеймс «Афинянин» Стюарт и Николас Реветт посетили Грецию в период с 1748 по 1755 год и впоследствии опубликовали «Афинские древности и другие памятники Греции» (1762) в Лондоне шла неоклассическая революция. Завороженная размеренными рисунками и гравюрами Стюарта и Реветта, Европа вдруг потребовала греческих форм. Такие архитекторы, как Роберт Адам, возглавили неоклассическое движение, создав такие здания, как Кедлстон-холл, английский загородный дом в Кедлстоне, Дербишир. Неоклассицизм даже перепрыгнул через Атлантический океан в Северную Америку, еще больше распространив богатое наследие классической архитектуры и сделав греческие архитектурные ордера не только чрезвычайно влиятельными, но и вечными.

---

Дополнительные ресурсы:

Б. А. Барлетта, Происхождение греческих архитектурных ордеров (Кембридж: издательство Кембриджского университета, 2001).

Х. Берве, Г. Грубен и М. Хирмер, греческих храмов, театров и святынь с (Нью-Йорк: HN Abrams, 1963).

Ф. А. Купер, Храм Аполлона Басситаса 4 тома. (Принтон, штат Нью-Джерси: Американская школа классических исследований в Афинах, 1992–1996).

Дж. Дж. Коултон, Древнегреческие архитекторы за работой: проблемы структуры и дизайна (Итака, штат Нью-Йорк: издательство Корнельского университета, 1982).

WB Dinsmoor, Архитектура Греции: отчет о ее историческом развитии 3-е изд. (Лондон: Бэтсфорд, 1950).

WB Dinsmoor, Пропилеи афинского Акрополя, 1: Предшественники (Принстон, штат Нью-Джерси: Американская школа классических исследований в Афинах, 1980).

P. Gros, Витрув и традиции архитектурных особенностей: изготовление и рассуждение: recueil d’études (Рим: Французская школа Рима, 2006 г.).

Г. Грубен, «Наксос и Делос. Studien zur archaischen Architektur der Kykladen». Jahrbuch des Deutschen Archäologischen Instituts 112 (1997): 261–416.

Мари-Кристин Хеллманн, L’architecture Grecque 3 vol. (Париж: Пикард, 2002–2010 гг.).

А. Хоффманн, Э.-Л. Швандер, В. Хёпфнер и Г. Брандс (редакторы), Bautechnik der Antike: международный коллоквиум в Берлине, выпуск 15–17. 9 февраля 1990 г.0049 (Diskussionen zur archäologischen Bauforschung; 5), (Майнц-на-Рейне: П. фон Заберн, 1991).

М. Коррес, От Пентеликона до Парфенона: древние каменоломни и история наполовину обработанной капители колонны первого мраморного Парфенона (Афины: Издательство Мелисса, 1995).

М. Коррес, Камни Парфенона (Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2000).

А. В. Лоуренс, Греческая архитектура 5-е изд. (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 1996).

Д. С. Робертсон, Греческая и римская архитектура 2-е изд. (Кембридж: издательство Кембриджского университета, 1969).

Дж. Рикверт, Танцующая колонна: на заказ в архитектуре (Кембридж, Массачусетс: MIT Press, 1996).

Э.-Л. Schwandner and G. Gruben, Säule und Gebälk: zu Struktur und Wandlungsprozess griechisch-römischer Architektur: Bauforschungskolloquium in Berlin vom 16. bis 18. Juni 1994 (Mainz am Rhein: Verlag Philipp von Zabern, 1996).

М. Уилсон Джонс, «Проектирование римско-коринфского ордена», Журнал римской археологии , том. 2, 1989, стр. 35–69.

---

Изображения Smarthistory для преподавания и обучения:

Другие изображения Smarthistory…

Цитируйте эту страницу как: Д-р Джеффри А. Беккер, «Греческие архитектурные ордера», в Smarthistory , 8 августа 2015 г., по состоянию на 30 марта, 2023 г., https://smarthistory.org/greek-architectural-orders/.

История фотографии | История, изобретения, художники и события

Луи-Жак-Манде Дагер: Вид на бульвар Тампль, Париж

Смотреть все СМИ

Ключевые люди:

Ширин Нешат Эдвард С. Кертис Альфред Штиглиц Эдвард Уэстон Уокер Эванс

Похожие темы:

технология фотографии голография уличная фотография кинематография камера

Просмотреть все сопутствующие материалы →

история фотографии , метод записи изображения объекта посредством действия света или связанного с ним излучения на светочувствительный материал. Слово, происходящее от греческого photos («свет») и graphein («рисовать»), впервые было использовано в 1830-х годах.

В этой статье рассматриваются исторические и эстетические аспекты фотосъемки. Для обсуждения технических аспектов среды см. фотография, техника. Для рассмотрения киносъемки или кинематографии см. Кино, история и технология кино.

(Прочитайте эссе Анселя Адамса «Британника» 1947 года «Фотографическое искусство»)

Общие положения

Как средство визуальной коммуникации и выражения фотография обладает особыми эстетическими возможностями. Для того чтобы их понять, нужно сначала разобраться в характеристиках самого процесса. Одной из важнейших характеристик является оперативность. Обычно, но не обязательно, записываемое изображение формируется объективом камеры. Под воздействием света, формирующего изображение, чувствительный материал претерпевает изменения в своей структуре, формируется скрытое (но перевернутое) изображение, обычно называемое негативом, и изображение становится видимым при проявлении и постоянным при фиксации тиосульфатом натрия, называемым «гипо». ». С современными материалами обработка может происходить немедленно или может быть отложена на недели или месяцы.

Викторина «Британника»

Знай своих фотографов

Существенные элементы изображения обычно устанавливаются сразу в момент экспонирования. Эта характеристика уникальна для фотографии и отличает ее от других способов создания изображений. Казалось бы, автоматическая запись изображения с помощью фотографии придала процессу ощущение подлинности, которого нет ни в одной другой технике создания изображений. Фотография обладает в массовом сознании такой очевидной точностью, что поговорка «камера не лжет» стала принятым, хотя и ошибочным, клише.

Такое понимание предполагаемой объективности фотографии доминировало в оценках ее роли в искусстве. В начале своей истории фотографию иногда принижали как механическое искусство из-за ее зависимости от технологий. Однако на самом деле фотография — это не автоматический процесс, который подразумевает использование камеры. Хотя камера обычно ограничивает фотографа изображением существующих объектов, а не воображаемых или интерпретирующих видов, опытный фотограф может привнести творческий подход в процесс механического воспроизведения. Изображение можно изменить с помощью различных объективов и фильтров. Тип чувствительного материала, используемого для записи изображения, является дополнительным контролем, а контраст между светом и тенью может быть изменен путем изменения проявления. При печати негатива у фотографа есть широкий выбор физической поверхности бумаги, тонального контраста и цвета изображения. Фотограф также может создать полностью искусственную сцену для фотографирования.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Самый важный контроль — это, конечно же, видение творческого фотографа. Он или она выбирает точку обзора и точный момент экспозиции. Фотограф воспринимает основные качества объекта и интерпретирует его в соответствии со своим суждением, вкусом и вовлеченностью. Эффективная фотография может распространять информацию о человечестве и природе, фиксировать видимый мир и расширять человеческие знания и понимание. По всем этим причинам фотографию справедливо называют самым важным изобретением со времен печатного станка.

Изобретение медиума

Предшественники

Предшественником камеры была камера-обскура, темная камера или комната с отверстием (позже линзой) в одной стене, через которое изображения предметов за пределами комнаты проецировались на противоположную стена. Вероятно, этот принцип был известен китайцам и древним грекам, таким как Аристотель, более 2000 лет назад. В конце 16 века итальянский ученый и писатель Джамбаттиста делла Порта продемонстрировал и подробно описал использование камеры-обскуры с линзой. В то время как художники в последующие века обычно использовали вариации камеры-обскуры для создания изображений, которые они могли проследить, результаты этих устройств зависели от навыков рисования художника, и поэтому ученые продолжали поиск метода полностью механического воспроизведения изображений.

В 1727 году немецкий профессор анатомии Иоганн Генрих Шульце доказал, что потемнение солей серебра, явление, известное с 16 века, а возможно, и раньше, вызывается светом, а не теплом. Он продемонстрировал этот факт, используя солнечный свет для записи слов на солях, но он не пытался сохранить изображения навсегда. Его открытие в сочетании с камерой-обскурой обеспечило основную технологию, необходимую для фотографии. Однако на самом деле фотография возникла только в начале 19 века.

Ранние эксперименты

Нисефор Ньепс, изобретатель-любитель, живущий недалеко от Шалон-сюр-Сон, города в 189 милях (304 км) к юго-востоку от Парижа, интересовался литографией — процессом, при котором рисунки копируются или рисуются вручную на литографическом камень, а затем напечатан чернилами. Не имея художественного образования, Ньепс изобрел метод, с помощью которого свет мог рисовать нужные ему картины. Он смазал гравюру маслом, чтобы сделать ее прозрачной, а затем поместил ее на пластину, покрытую светочувствительным раствором иудейского битума (разновидность асфальта) и лавандового масла, и выставил установку на солнечный свет. Через несколько часов раствор под светлыми участками гравюры затвердел, а раствор под темными участками остался мягким и его можно было смыть, оставив постоянную точную копию гравюры. Назвав процесс гелиографией («рисунок солнца»), Ньепс с 1822 года преуспел в копировании масляных гравюр на литографский камень, стекло и цинк, а с 1826 года — на оловянные пластины.

В 1826/27 году с помощью камеры-обскуры, оснащенной оловянной пластиной, Ньепс сделал первую удачную фотографию с натуры — вид на двор своего загородного поместья Гра из верхнего окна дома. Время экспозиции составило около восьми часов, в течение которых солнце двигалось с востока на запад, так что казалось, что оно светит с обеих сторон здания.

Ньепс создал свою самую успешную копию гравюры, портрет кардинала д’Амбуаза, в 1826 году. Он был выставлен примерно через три часа, а в феврале 1827 года он протравил оловянную пластину, чтобы сформировать печатную форму, и сделал два оттиска. вытащил. Бумажные отпечатки были конечной целью гелиографического процесса Ньепса, однако все другие его попытки, сделанные с помощью камеры или с помощью гравюр, были недоэкспонированы и слишком слабы для травления.