10 главных молодых художников России

Искусство

Ирина Шульженко

18 декабря 2020 15:25

Конкурс проектов Nova Art раз в два года помогает молодым художникам реализовать свои идеи и получить поддержку профессионального сообщества. По просьбе «Афиши Daily» галеристка Анна Нова и другие эксперты выбрали десять самых перспективных молодых художников, работающих в России прямо сейчас.

Эксперты

• Виктор Алимпиев, художник
• Светлана Баскова, режиссер, основатель института современного искусства «БАЗА»
• Арсен Готлиб, кинопродюсер, коллекционер
• Сергей Лимонов, инвестор, коллекционер
• Игорь Маркин, основатель музея «Арт 4», коллекционер
• Анна Нова, основатель галереи Anna Nova
• Николай Палажченко, руководитель факультета «Арт-менеджмент и галерейный бизнес» бизнес-школы RMA
• Светалана Тейлор, куратор, преподаватель
• Вера Трахтенберг, куратор Cultural Creative Agency
• Ирина Шульженко, куратор, журналист
• Юрий Юркин, искусствовед

Евгений Антуфьев

34 года

Первая выставка Евгения Антуфьева «Объекты защиты» прошла на площадке «СТАРТ» еще в 2008 году. Антуфьев родом из Тувы — республики, где оккультные практики до сих пор не утратили своего значения. Его объекты, напоминающие предметы шаманского культа, находят все больше почитателей на мировой художественной сцене: в 2011-м Антуфьев стал участником выставки «Остальгия» в нью-йоркском «Новом музее современного искусства», а в 2016-м — представил свой проект в рамках «Манифесты-11» в Цюрихе.

Елена Артеменко

32 года

Елена Артеменко — скульптор и видеохудожник. Одна из центральных тем ее творчества — телесность. Для проекта Allowed Sweets Артеменко делала слепки с тех частей тела иранских женщин, которым позволено быть открытыми для посторонних глаз. Однако ее последняя работа — кинетическая инсталляция «Временный ландшафт» на «Электрозаводе» — обозначила новое направление и задала новую планку.

Ян Гинзбург

32 года

В своих проектах Ян часто обращается к наследию художников нонконформистов (не так давно он даже сменил свою фамилию на фамилию своего учителя, неофициального художника Иосифа Гинзбурга). При этом творческий метод Яна вовсе не сводится к research art. Работая с архивами и артефактами, Гинзбург создает объекты и инсталляции, которые с его легкой руки обретают свойства экспонатов или реликвий — пусть и не столь отдаленного прошлого.

Алиса Йоффе

32 года

Алиса Йоффе успешно сотрудничает не только с российскими галереями, но и развивает карьеру в Европе. Не так давно художница приняла участие в проекте одной из самых авторитетных галерей европы König Galerie, а одежду с принтами на основе ее графики несколько лет подряд выпускает культовый бренд Comme Des Garçons.

Влад Кульков

34 года

Петербургский художник Влад Кульков учился в академии Штиглица и аспирантуре Русского музея, однако не меньшее влияние на него оказали путешествия по Центральной и Южной Америке, поездки в Непал и Долину Смерти. Экспрессивные абстрактные полотна Кулькова напоминают окна в неведомый мир, в котором остались лишь слабые отпечатки присутствия человека.

Тимофей Радя

32 года

Уличный художник из Екатеринбурга с философским образованием успешно сотрудничает с музеями и институциями, предпочитая оставаться в тени и сохранять дистанцию. Радя покорил публику своими емкими и лаконичными работами («Я бы тебя обнял, но я просто текст», «Они ярче нас», «Кто мы, откуда, куда мы идем?»), смысл которых считывается сразу, не теряя при этом масштаба и глубины.

Алексей Таруц

36 лет

В своих перформансах и выставочных проектах Алексей Таруц задает вопросы, принципиально оставляя их без ответов. Художник предстает в образе идеального рыцаря от искусства, и этот образ поддерживают артефакты в виде боевых доспехов и сторожевых башен, будто «оставленных» на выставке. Таруц весьма радикально миксует медиа: частью инсталляции может стать и живой перформер, и отпечаток лица художника на стекле.

Александра Сухарева

37 лет

В 2012 году Александра Сухарева стала единственным российским участником проекта Documenta в Касселе, а два года спустя приняла участие в европейской биеннале современного искусства «Манифеста». Очертить творческий метод Сухаревой непросто. В разных проектах она обращается и к теме отражений, и к феноменам химических процессов (выбеливание холста хлором, коррозия) как к платформам «для нериторических форм записи знания», и к вопросам судеб конкретных людей в контексте коллективной исторической памяти.

Екатерина Муромцева

30 лет

Отучившись на философском факультете МГУ, Муромцева окончила школу им. Родченко, и уже первая персональная выставка «На своем месте», проходившая в Институте философии РАН, привлекла пристальное внимание художественной общественности. Все работы Муромцевой — будь то тотальная инсталляция или серия акварелей — носят остросоциальный характер, при этом, по словам художницы, ее интересует «повествование, где документ и художественное воображение накладываются друг на друга».

Сергей Сапожников

36 лет

Сергей Сапожников известен сегодня прежде всего как фотограф, однако начинал он свой творческий путь с граффити в родном Ростове-на-Дону. В 2014 году персональная выставка Сапожникова под кураторством Франческо Бонами прошла в миланском Музее Польди-Пеццоли. Не его фотографиях часто невозможно отделить модель от ландшафта, фон сливается с человеческими очертаниями, превращая снимок в абстрактный коллаж с эффектом трехмерной реальности.

расскажите друзьям

теги

МГУРАН

люди

Евгений АнтуфьевЕлена АртеменкоАлиса ЙоффеВиктор АлимпиевСветлана БасковаАрсен ГотлибИгорь МаркинНиколай ПалажченкоСергей Сапожников

Самые известные русские художники-портретисты и их портреты с названиями — «Лермонтов»

Великие русские художники-портретисты
Портреты самых известных русских художников
Самые дорогие портреты русских художников

Портретная живопись на Руси появилась еще в эпоху Средневековья и ограничивалась в основном писанием икон, хотя есть и более ранние произведения от XI и XII веков. Первые портреты конкретных людей стали появляться лишь в XVII веке, однако многие из них не дошли до нашего времени. Поэтому мы рассмотрим известных живописцев XVIII – XX веков, чьи работы сегодня представлены в государственных и частных коллекциях и высоко ценятся на аукционах.

Великие русские художники-портретисты

Начнем рассмотрение списка известных русских художников с Боровиковcкого и Кипренского, трудившихся в XVIII – начале XIX веков.

Владимир Боровиковский начинал свою живопись с иконописи, однако после переезда в Санкт-Петербург быстро прославился на весь город своими прекрасными портретами. Его заметила сама Екатерина II, поэтому художнику позировала не только она, но многие знатные особы и целые семейства. В те годы набирал моду сентиментализм, который в исполнении Боровиковского умело сочетался с академической живописью. В результате этого акцент смещался со статуса на индивидуальность героя, на передачу его чувств и внутреннего мира через плавность линий, мягкость переходов, органично подобранный фон. Яркими примерами его портретов являются «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке», потрет М. Лопухиной, портрет Павла I и другие.

В. Боровиковский. «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.

Знатные особы заметили и талантливого Ореста Кипренского. Они пригласили его работать при дворе великой княгини Екатерины Павловны, а затем при поддержке императрицы помогли совершить поездку за рубеж для знакомства с работами известных мастеров.

Кипренский рисовал не только богатых персон, но и запечатлел популярных современников, благодаря чему сохранились прекрасные портреты Пушкина, Жуковского, Давыдова, Трубецкого и многих других выдающихся людей. Его трудами на свет появились и портреты многих участников Отечественной войны 1812 года.

О. Кипренский. Портрет А. Пушкина. 1827 г.

В XIX веке трудилась целая плеяда талантливых русских художников, среди которых такие известные мастера, как Репин, Васнецов, Суриков, Брюллов, Перов и другие. Каждый из них внес в русскую портретную живопись что-то свое, что способствовало расцвету этого жанра.

Карл Брюллов стал основателем романтического портрета, так как он уделял большое внимание не статусу героя или передаче его портретного сходства, а его психологическому образу. Благодаря особому колориту, передаче эмоций и подбору подходящего интерьера художнику удавалось знакомить зрителя с характером и интересами героя.

К.П. Брюллов.

«Всадница». 1832 г.

Василий Перов работал над неким социально-психологическим портретом, демонстрируя духовный мир через разнообразные чувства моделей. Критики отмечали, что художнику удалось добиться невероятной правдивости в своей портретной живописи и чего-то неизменного, что никогда не выйдет из моды. Перов написал множество портретов известных русских писателей, ученых, деятельных персон. Многие из них художник писал по заданию Павла Третьякова, и они выходили столь удачно, что образы различных известных русских представителей культуры, искусства или науки слились с теми, что созданы умелой рукой талантливого Перова.

В. Перов. Портрет Ф. Достоевского. 1872 г.

Блестящими портретами известных людей порадовал зрителей и известный живописец Илья Репин. Он создал столь огромную серию великолепных портретов своих современников, что превзошел в этом остальных портретистов. Если одни художники сосредотачивались на чувствах своих моделей, другие на их характере, то Репин пытался изобразить каждого известного человека как творчески мыслящую личность. И этот живой пытливый ум читается во взгляде многих его героев, среди которых были такие известные люди, как Толстой, Шишкин, Пирогов и Мусоргский.

И. Репин. Портрет писателя Л. Толстого. 1887 г.

Интеллигенцию изображали и такие художники, как Крамской, Маковский, Васнецов или Суриков. Иван Крамской использовал особый глухой фон, который позволял зрителю сосредоточиться только на чертах лица изображенной персоны и не рассматривать ненужные детали. Константин Маковский, напротив, окружал каждого героя изобилием деталей, а самого его изображал идеальным в роскошной обстановке. Критикам такой подход не нравился, однако заказчики нисколько не были против такой идеализации и платили художнику огромные деньги. Для Виктора Васнецова и Василия Сурикова портретная живопись основной не была, тем не менее, они подарили миру множество прекрасных работ.

К. Маковский. Портрет В. Волконской. 1884 г.

В XX веке яркие портреты представили общественности Коровин, Серов, Богданов-Бельский, Нестеров и многие другие. В этот период в портретной живописи начинается уход от академической школы и развиваются разнообразные живописные стили. Так, Константин Коровин и Валентин Серов в числе первых создали картины в стиле импрессионизма. Портрет хористки Коровина даже сняли с выставки, посчитав слишком вызывающим и непонятным, однако позже он был признан подлинным шедевром, равно как и «Девочка с персиками» Серова. У Зинаиды Серебряковой импрессионистская манера письма наложилась на умение подмечать все красивое. Ее модели выглядели хрупкими и женственными, что значительно выделяло ее работы среди других.

З. Серебрякова. Портрет О. Лансере. 1910 г.

У Бориса Кустодиева к импрессионизму добавился модерн: помимо характерных для импрессионистов широких мазков он использовал прием разворота героя на три четверти к зрителю и размещения его в углу комнаты.

Б. Кустодиев. Портрет Ю. Кустодиевой с дочерью Ириной. 1908 г.

Константин Сомов изобрел так называемый ретроспективный портрет, при котором он изображал модель в нарядах или обстановке прошлых столетий.

К. Сомов. Портрет Е.П. Носовой. 1911 г.

Портреты самых известных русских художников

Рассмотрим ряд известных работ именитых русских портретистов, которые высоко оценили зрители и коллеги по цеху.

У Владимира Боровиковского назовем несколько чувственных портретов женщин: портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных, портрет М.И. Лопухиной и портрет Е.А. Нарышкиной. Все три работы написаны художником в течение пяти лет и стали отправной точкой для его сентиментальных портретов. В них на первое место выдвигается женственность, мягкость и чувственность девушек вместо их высокого положения в обществе, что подчеркивается спокойным гармоничным фоном, плавными линиями и мягкими переходами одного оттенка в другой. Такой подход был оригинальным для своего времени и быстро сделал художника знаменитым.

Портрет сестёр А.Г. и В.Г. Гагариных. 1802 г.

У Кипренского есть такие широко известные произведения как «Бедная Лиза», портрет В. А. Жуковского, портрет отца А.К. Швальбе, упомянутый выше портрет А.С. Пушкина и автопортрет 1828 года. Расскажем подробнее о последнем. В автопортрете Кипренский изобразил себя в характерной для него манере романтизма. Мы видим на нем восточный халат, на которые тогда была мода, некоторую небрежность в прическе и рубашке и целую гамму чувств на лице. Это и любезная полуулыбка, и проницательность ко всему происходящему, и некоторая тревога за будущее. Интересно, что за несколько лет до этого в 1820 году художник написал более строгий автопортрет по заказу галереи Уффици, расположенной во Флоренции (старейшая и наиболее известная в Европе галерея). Фактически Кипренский стал одним из первых русских художников, чья работа украсила знаменитую галерею. Рассматриваемый нами автопортрет от 1828 года тоже не остался незамеченным, так как в 1870 году его приобрел в свою коллекцию Павел Третьяков. Работа и поныне находится в Третьяковской галерее.

О. Кипренский. Автопортрет. 1828 г.

У Карла Брюллова помимо упомянутой выше картины «Всадница» есть замечательные портреты знаменитого баснописца И. А. Крылова, княгини М.А. Бек и картины «Итальянское утро» и «Итальянский полдень». О последних расскажем подробнее, так как они стали судьбоносными в жизни художника.

К. Брюллов. «Итальянское утро». 1823 г.

Жанровый портрет «Итальянское утро» с изображением полуобнаженной умывающейся девушки сделал Брюллова известным и столь понравился Обществу поощрения художников, что оно преподнесло его императору Николаю I и его супруге. Императорская чета наградила мастера бриллиантовым перстнем и заказала парную к ней картину. Однако вторая работа под названием «Итальянский полдень» привела к обратному эффекту: коллеги по живописи обвинили художника в том, что он отошел от академических эталонов красоты и осмелился рисовать пышнотелую девицу. Брюллов в ответ на такое неприятие разорвал связи с обществом художников и заявил, что картина — не статуя, и в ней вполне допустимо приближаться к тем формам, которые реалистичны и больше нравятся нам.

К. Брюллов. «Итальянский полдень». 1827 г.

Среди многочисленных удачных портретов Перова мы в качестве примера возьмем портрет Островского. Эту картину считают одной из лучших не только среди работ художника, но и в русской портретной живописи в целом. Перов любил творчество Островского и запечатлел его без пафоса и прикрас таким, каким нередко видел. Великий драматург предстает перед зрителем в домашней одежде без эффектного фона или красивых атрибутов. Это помогает сосредоточиться на его пытливом взгляде, проницательности и глубоких эмоциях. Портрет быстро стал известным, переместился в Третьяковскую галерею и позже неоднократно печатался на марках.

В. Перов. Портрет А.Н. Островского. 1871 г.

Как мы отметили ранее, Илья Репин создал огромную галерею портретов популярных современников. Среди них особенно отметим портрет Мусоргского, ставший одной из известнейших работ именитого русского художника. Это единственный портрет, который был создан при жизни Мусоргского, ушедшего из жизни всего в 42 года. Нашего современника может удивить, почему великий композитор изображен с красным носом в халате и всклокоченными волосами. Но это вполне объяснимо, так как Репин спешно писал его портрет в больнице за несколько дней до кончины композитора. Художник не отступил от своих принципов реализма и показал великую личность во всей полноте и многогранности. С одной стороны, мы видим изможденного алкоголизмом, неприятием общества и болезнью человека, с другой сильного человека с ясным и пытливым взглядом.

И. Репин. Портрет композитора М.П. Мусоргского. 1881 г.

У Кустодиева не менее популярен портрет Федора Шаляпина, ставший одним из лучших в портретной живописи мастера. Несмотря на то, что художник на момент написания портрета был прикован к инвалидному креслу, он не отказался от идеи написать большой двухметровый холст. Чтобы воплотить ее в жизнь, Кустодиеву приходилось работать над отдельными частями портрета в положении полулежа и использовать специальные устройства для наклона холста. Жанровый портрет полностью отражал народный дух оперного певца и так понравился ему, что Шаляпин высокого ценил его и бережно хранил в своем доме. Кустодиев же сделал уменьшенную авторскую копию и представлял ее на выставках. Позже обе работы были переданы в музеи, где и хранятся сегодня.

Б. Кустодиев. Портрет Ф.И. Шаляпина. 1922 г.

Еще одним популярным портретом стала картина Сомова «Дама в голубом». Игорь Грабарь даже называл ее «Джокондой современности», настолько точно образ женщины отражал характер Серебряного века. Современники художника были одновременно и захвачены жизнью, и испытывали грусть от недоверия к ней. Особенностью портрета стали не только противоречивые чувства дамы, но и ее странный наряд из предыдущих веков. Картину быстро заметили на выставке «Мир искусства», однако в Третьяковскую галерею она попала только благодаря В. Серову, так как другие Члены Совета галереи не хотели голосовать за странную работу.

К. Сомов. «Дама в голубом». 1897–1900 гг.

Самые дорогие портреты русских художников

Посмотрим, искусство каких русских художников особенно ценится на крупных аукционах в последнее время. Мы рассмотрим несколько наиболее крупных уходов портретов в период с 2000 по 2020 годы.

Первую тройку самых дорогих портретов открывают образы женщин. Дороже всего оценили образ актрисы кабаре, запечатленной художницей Тамарой де Лемпицки в работе Portrait de Marjorie Ferry. Эта работа была выставлена в аукционном доме Christie`s в 2020 году и ушла с молотка за 21 млн долларов (16,3 млн фунтов стерлингов).

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

На втором месте оказался портрет «Шокко» художника Алексея Явленского. Картина была представлена на аукционе Sotheby`s в 2008 году и ушла за 18,6 млн долларов.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

Замыкает тройку портрет Марии Цетлиной, созданный Валентином Серовым. Это великолепная работа попала на аукцион Christie`s в 2014 году из музея и, конечно, вызвала ажиотаж среди покупателей. Ее охотно купили за 14,5 млн долларов (9,3 млн фунтов). Подробнее о трех описанных картинах вы можете почитать в статье о самых известных женских портретах.

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

На четвертом месте расположился портрет «Маленький ковбой», созданный известным русских художником Николаем Фешиным. Эта работа поступила на аукцион MacDougall`s в 2010 году из галереи Stendahl Лос-Анджелеса. Холст считается одним из самых блестящих портретов художника, в котором Фешину удалось создать целостный и колористически изящный образ маленького ковбоя. Так как за полгода до этого картина уже уходила с аукциона William Doyle за 500 тыс. евро, на MacDougall ее выставили по стартовой цене 500-700 тыс. фунтов. Однако один из телефонных покупателей так горячился, что нередко прибавлял сразу по полмиллиона фунтов. В итоге жарких торгов цена взлетела до рекордных 7 млн фунтов (10,9 млн долларов), что стало сенсационной продажей. После этого Фешин оказался в десятке самых дорогих продаж картин в категории русской живописи. На февраль 2021 года он переместился на 13 место, но по-прежнему обгоняет своего учителя Илью Репина.

Н.И. Фешин. «Маленький ковбой». 1940 г.

Еще один портрет, проданный за миллионы долларов, принадлежит талантливому русскому художнику Юрию Анненкову. Живописец создавал картины в своей оригинальной манере, используя самые разные приемы, смешивая стили и направления так, что даже критики не могли предугадать его следующей работы. Именно эта оригинальность и живописная смелость привели его к славе и узнаваемости его картин, особенно портретов. В 2014 году на торги аукционного дома Christie`s попал один из таких ярких портретов, созданный в смешанных стилях. На картине запечатлен А.Н. Тихонов, а сама она экспонировалась на международной выставке в Венеции в 1924 году. С аукциона портрет ушел за 6,2 млн долларов (4 млн фунтов).

Ю.П. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.

Портреты известных русских художников можно перечислять еще долго, ведь в этом жанре работали не только портретисты, но и пробовали себя практически все именитые мастера живописи. Одни из них писали популярных современников и знатных особ, другие искали и создавали свой образ женщины через женские портреты, а третьи не менее увлеченно писали самих себя. Благодаря этому зритель сегодня может найти в русском портрете большое разнообразие образов, эмоций, идей и художественных приемов.

11 самых известных русских художников

Для обычного любителя искусства многие имена в этом списке из знаменитых русских художников не являются общеизвестными именами, но есть и гиганты мира искусства.

В то время как Франция и Италия доминируют в таких течениях, как Ренессанс и Импрессионизм, Россию больше всего запомнят тем, что она произвела на свет основателя абстрактного искусства Василия Кандинского.

Для западных глаз большая часть русского искусства будет загадкой, но русская культура имеет долгую и богатую историю, и ее искусство ничем не отличается.

Вот некоторые из самых известных русских художников, которые когда-либо брали в руки кисть.

1.

Василий Кандинский

Кандинский родился 16 декабря 1866 года в Москве. Кандинский был теоретиком искусства и художником. Он считается основоположником абстрактного искусства.

Его абстрактная композиция VII является одной из самых известных когда-либо созданных русских картин.

Ранние годы Кандинский провел в Одессе/Украина. Кандинский окончил Одесское художественное училище имени Грекова, где позже поступил в Московский университет, где изучал экономику и право. О своем успехе Кандинскому предложили должность профессора в Дерптском университете. В возрасте 30 лет Кандинский начал заниматься живописью.

Читайте также: Известные художники Украины

Василий Кандинский поселился в Мюнхене в 1896 году. Сначала учился в частной школе Антона Азбе, где позже поступил в Академию изящных искусств. В 1914 году он вернулся в Москву после начала Первой мировой войны.

Кандинский сыграл ключевую роль в культурном управлении Анатолия Луначарского и участвовал в создании Музея культуры живописи.

Кандинский также преподавал в архитектурно-художественной школе Баухаус в Германии с 19С 22 по 1933 год. Позже он поселился во Франции как гражданин и прожил там до конца своей жизни. Кандинский умер в 1944 году в Нейи-сюр-Сен.

2.

Марк Шагал

Марк Шагал родился у Мойше Шагала 6 июля 1887 . Шагал был русско-французским художником, связанным с несколькими стилями искусства и различными художественными форматами, такими как рисунки, живопись, книжная иллюстрация, керамика, декорации, витражи, репродукции и гобелены. Марк Шагал был белорусским евреем по происхождению.

Перед Первой мировой войной Марк Шагал несколько раз побывал в таких местах, как Париж, Санкт-Петербург и Берлин. Он создал свою уникальную смесь и современное искусство в связи с еврейской народной культурой и идеей Восточной Европы.

Шагал провел военные годы в советской Белоруссии, стал одним из самых знаменитых художников страны и авангардистом. В 1923 году перед отъездом в Париж он основал Витебское художественное училище.

Марк Шагал считается крупным еврейским художником и основоположником модернизма. У Шагала было двое детей; Ида Шагал и Дэвид Макнейл. Он умер 28 марта 1985 лет, 97 лет.

3.

Иван Айвазовский

Иван Айвазовский родился 29 июля 1817 года. Он был художником позднего романтизма и считается одним из величайших мастеров морского искусства. Айвазовский родился в армянской семье , проживающей в Черноморском порту Феодосии в Крыму.

В начале 1840-х годов Айвазовский после учебы в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге путешествовал по Европе. Во время своих визитов в Европу Айвазовский недолго жил в Италии.

Вернувшись в Россию, Айвазовский был назначен художником Российского флота, так как был близок к политической элите Российской империи и военным. В свое время Айвазовский был очень известным художником, и государство его тоже спонсировало.

Его работа «Девятый вал» — одна из самых знаковых когда-либо созданных картин океана.

Иван Айвазовский был очень многолюдным и в других государствах, кроме Российской империи. Айвазовский провел несколько выставок в США и Европе.

За свою 60-летнюю карьеру художника Айвазовский написал около 6000 картин. Поэтому он считается одним из самых плодовитых художников. Он умер 2 мая 1900 года в возрасте 82 лет.

4.

Илья Репин

Родился 5 августа 1844 года в Чугуеве Харьковской губернии. Художник-реалист. Он наиболее известен своим русским искусством 19-го века, в котором его место в мире было сравнимо со Львом Толстым в литературе.

Его работы относятся к художественному движению соцреализма.

Его роль была решающей в утверждении европейской культуры в русском искусстве. Некоторые из его основных работ: Крестный ход в Курской губернии; 1883 г., «Бурлаки на Волге»; 1873 г.; и Ответ запорожских казаков; 1880 по 1891 год.

В 1863 году Илья Репин поступил в Петербургскую художественную академию, где обучался живописи. Однако сначала ему пришлось поступить в подготовительную школу Ивана Крамского.

Репин ездил в Запорожье за ​​материалами к «Ответу запорожских казаков» 1880 года. Он также преподавал в Высшем художественном училище при Академии художеств. Илья Репин был награжден орденом Почетного легиона в 1901. Умер 29 сентября 1930 года.

5.

Михаил Врубель

Михаил Врубель родился 17 марта 1856 года в Омске, Российская империя. Врубель был русским художником, работавшим в различных видах искусства, таких как графика, живопись, теоретическое искусство и декоративная скульптура. В 1896 году он женился на Надежде Забеле-Врубель, известной певице. Врубель часто рисовал ее.

По мнению советского историка Нины Дмитриевой, художественную биографию Врубеля можно сравнить с трехактной драмой с эпилогом, прологом и эпилогом. Эволюция акта была неожиданной и быстрой. Пролог относится к более ранним годам обучения и выбора карьеры.

«Первое действие» началось в 1880-х годах во время его обучения в Императорской Академии художеств, откуда он позже переехал в Киев для изучения христианского искусства и византийского искусства.

«Второе действие» можно проиллюстрировать «московским периодом», начавшимся в 1890 году, когда он написал картину «Демон сидящий», который закончился картиной «Демон поникший» в 1902 году и последующей госпитализацией художника.

Читайте также: Известные картины демонов

«Третий акт» был пережит в 19с 03 по 1906 год, когда художник боролся с психическим заболеванием, которое позже ослабило его интеллектуальные и физические способности. Последние четыре года жизни Врубель провел слепым. Умер 14 апреля 1910 года.

6.

Василий Верещагин

Василий Верещагин родился 26 октября 1842 года в Череповце Новгородской губернии. Верещагин был популярным русским военным художником и получил признание и за границей. Из-за графичности, приписываемой его реалистическим сценам, многие работы Верещагина никогда не экспонировались и не печатались.

В восемь лет Верещагин был направлен в Царское Село для поступления в Александровский кадетский корпус. Через три года Верещагин поступил в Морской кадетский корпус в Санкт-Петербурге, дебютировав в своем первом плавании. Верещагин был первым в списке выпускников военно-морского училища. Однако он сразу же оставил службу, чтобы продолжить карьеру художника.

После двух лет занятий искусством Верещагин был награжден медалью Санкт-Петербургской академии за одну из своих работ в 1863 году; Улисс, убивающий женихов. Верещагин уехал в Париж, где продолжил обучение.

По возвращении в Россию Верещагин возобновил действия русской армии во время русско-турецкой войны. Умер 13 апреля 1904 года.

7.

Валентин Серов

Валентин Александрович Серов родился 19 января 1865 года в Санкт-Петербурге, Российская империя. Его отец, Александр Серов, был музыкальным критиком и композитором. Поскольку он вырос в художественной среде, Серова поощряли развивать свои таланты , где он учился в Санкт-Петербургской Академии художеств с 1880 по 1885 год в Москве и Париже.

Его лучшие работы включали такие портреты, как; «Девушка, залитая солнцем», «Девушка с персиками» 1887 и 1888 гг. С 1890 г. основным жанром творчества Серова стали портреты. В 1889 г. он женился на Ольге Трубниковой. Его семья была подвержена многим из его картин.

В 1900-е годы, в последние годы своей жизни, Серов вступил в русское художественное объединение «Мир искусства». Классическая методология была темой, использованной Серовым во многих его последних работах.

Серов Валентин Александрович умер 5 декабря 1911. Его наследие основано на произведениях русского реализма.

8.

Казимир Малевич

Казимир Северинович Малевич родился 23 февраля 1879 года, русский теоретик авангардного искусства и художник. Малевич считается одним из пионеров и влиятельных художников в развитии абстрактного искусства.

Малевич разработал концепцию супрематизма, так как он родился в Киеве в польской семье.

Он начал работать в различных стилях и быстро охватил движения символизма, импрессионизма и фовизма. После визита в Париж в 1912, он также принял кубизм.

Малевич был преподавателем Киевского художественного института с 1928 по 1930 год. Он также публиковал свои статьи в харьковском журнале «Новая генерация».

Однако из-за репрессий Украины против интеллигенции вынужден был вернуться в Санкт-Петербург. Малевич был заключен в тюрьму в 1930 году на два месяца из-за его подозрительного визита в Германию и Польшу.

Перед смертью 25 мая 1935 года Малевич писал в репрезентативных стилях.

9.

Иван Шишкин

Иван Шишкин родился в г. Елабуге Вятской губернии. Иван Шишкин четыре года учился в Московском училище живописи, зодчества и ваяния.

Читайте также: Известные русские архитекторы

С 1856 по 1860 годы Шишкин после учебы поступил в Санкт-Петербургскую Императорскую Академию художеств.

Он закончил с отличием, а также был награжден золотой медалью. Шишкин также получил императорскую стипендию для продолжения учебы в Европе.

Через пять лет Шишкин поступил в Императорскую академию в Санкт-Петербурге, где с 1873 по 1898 год был профессором живописи. В этот же период Шишкин был руководителем класса пейзажной живописи в лучшем художественном училище Петербурга.

У Ивана Шишкина была дача в Выре, к югу от Петербурга. Он написал одни из лучших своих пейзажей. Работы Шишкина известны поэтическим изображением времен года в дикой природе, лесу, зверям и птицам. Умер 20 марта 189 г.8.

10.

Наталья Гончарова

Наталья Гончарова, самая известная художница России, родилась 3 июля 1881 года в селе Нагаево Тульской губернии. Михаил Ларионов, коллега по русскому авангардному художнику Авы, был ее партнером на всю жизнь.

В 1909-1911 годах Гончарова была одним из пионеров «Бубнового валета». В 1912-1914 годах она была среди основателей московской радикальной независимой выставочной группы «Хвост Донли».

Вместе с напарником Ларионовым они же основали лучизм в 1912-1914. Она также была членом Der Blaue Reiter, базирующейся в Германии. В 1921 г. Гончарова переехала в Париж, где жила до самой смерти 17 октября 1962 г. 4) был русским авангардистом живописец и дизайнер (кубист, супрематик, конструктивист).

Попова была пионером кубофутуризма. Она стремилась к тому, что она называла живописной архитектоникой через синтез жанров.

После занятий импрессионизмом она экспериментировала с особенно русской эволюцией кубофутуризма к 1913 году в «Композиции с фигурами»: слияние двух равных вдохновений из Франции и Италии.

Ее работа 1914 года «Скрипка» предвещает переход от кубизма к серии «живописная архитектоника» 1916–1918 годов. В абстрактной форме эта серия характеризовала ее индивидуальную творческую судьбу.

Попова умерла на пике своих творческих способностей, через два дня после смерти сына, от которого она заразилась скарлатиной в Москве в 1924. С 21 декабря 1924 г. по 25 января 1925 г. в Строгановском институте в Москве проходила значительная выставка ее искусства.

11 знаменитых картин Казимира Малевича и почему они важны

 

Этнический поляк, родившийся на Украине в Российской империи, ставший одним из самых знаменитых советских художников, Казимир Малевич использовал искусство, чтобы озвучить многочисленные наследия, которые он унаследовал. Биография Малевича и его пересекающиеся личности, пожалуй, лучше всего отражены в его творчестве. В то время как большинство критиков и поклонников считают пресловутого супрематика Черный квадрат , когда речь идет о Малевиче, они иногда опускают длинный и извилистый путь, который прошел творчество Малевича, чтобы достичь этой цели превосходства. Казимир Малевич менял стили и искал новые способы живописи, экспериментируя с формами и веществами.

 

Казимир Малевич: многоликий и самобытный художник Портрет Казимира Малевича; с Автопортрет Казимира Малевича, 19 лет10, через Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

За свою жизнь как лицо русского авангарда Казимир Малевич перепробовал множество стилей живописи: неопримитивизм, символизм, импрессионизм, футуризм, кубизм и многие другие. Тем не менее, ни один из этих стилей не отражал взгляд художника на реальность. Таким образом, он изобрел собственное течение – супрематизм. Малевич не только применил принципы супрематизма к своей живописи, но и перенес их в другие области искусства, включая архитектуру, кинематографию и дизайн.

 

Выросший в украинской деревне, Казимеж Малевич большую часть раннего детства провел в деревне. В юности он впитал в себя пересекающиеся народные традиции местности, где православие смешалось с католицизмом, а славянские языки смешались. Поэтому неудивительно, что фольклор повлиял на путь Малевича в искусстве.

 

Однако только когда семья переехала в Курск, Малевич осознал отсутствие формального художественного образования. Желая продолжить карьеру живописца, молодой художник знал, что ему придется переехать либо в Москву, либо в Санкт-Петербург. Позже Малевич напишет так, потому что в Москве были известные художники и возможности. Таким образом, именно туда и вел его путь.

 

Получайте свежие статьи на почту

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку

Казимир Малевич трижды пытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества — все безрезультатно. Прежде чем стать одним из самых популярных и влиятельных художников ХХ века, будущий основатель супрематизма считался профессорами этого престижного учреждения безнадежным и бездарным.

 

Перед лицом этого отказа Малевич постепенно превратился в своего собственного уникального мастера, чье творчество было гораздо более разнообразным, чем почти все, что было создано его сверстниками. Следующие произведения искусства демонстрируют изобретательность самого разностороннего художника двадцатого века и многогранность его работ. Ведь Малевич и его искусство — это гораздо больше, чем сложная геометрия и авангардизм.

 

1. Триумф небес, 1907 Триумф небес Казимира Малевича, 1907 г. , Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

Триумф неба — ранний образец творчества Малевича, отражающий начало его уникальной живописной манеры и художественные течения в Российской империи. В эту эпоху декаданс и символизм захватили культурную жизнь Москвы и Санкт-Петербурга. В 1907 году Малевич посетил выставку группы символистов «Голубая роза». Это событие настолько вдохновило молодого художника, что он создал серию картин, глубоко пропитанных религиозной мистикой. Триумф неба стал одним из самых известных ранних произведений Малевича, а также одним из самых знаковых произведений русского символизма.

 

Триумф Неба — эскиз к фреске, сочетающей в себе народные традиции и православный мистицизм. Окруженные золотым сиянием мирные небесные обитатели обитают на зеленом лугу, а ряды фигур с конечностями возвышаются над ними только для того, чтобы их накрыло другое всемогущее существо.

 

На исследование Малевичем религиозных тем повлияло его собственное католически-православное воспитание и его интерес как к восточной философии, так и к крестьянскому искусству и фольклору Восточной Европы. «Через иконопись мне удалось понять эмоциональное искусство крестьянства… которое я всегда любил», — написал однажды Малевич. В своих символистских картинах он пытался оценить как высокую, так и популярную культуру, смешивая их воедино.

 

2. Пейзаж с желтым домом, 1906 г. Пейзаж с желтым домом (Зимний пейзаж) Казимира Малевича, 1906 г., Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

Увлечение Малевича массовой культурой и его упрощенное представление форм вместе разожгли его желание экспериментировать. Его Пейзаж с желтым домом является примером интереса художника к импрессионизму. В 1908, в художественном журнале «Золотое руно » прошла выставка, которая привезла в Москву работы Матисса, Гогена и Ван Гога. Заинтригованный этими новыми художественными стилями, Малевич увидел их импрессионистские корни. Из-за этого он решил углубиться в неясную и яркую дымку красок, которая характеризовала одно из самых заметных мировых направлений в живописи.

 

Импрессионизм был не просто этапом в жизни Малевича, а повторяющимся лейтмотивом. Его Пейзаж был одной из его первых попыток создать красочную мозаику из точек, которая подчеркивала атмосферу сцены, а не точные формы объектов.

 

Позднее, во время персональной выставки, состоявшейся в 1928 году, знаменитый художник вновь обратился к импрессионизму. На этот раз Казимир Малевич сослался и переосмыслил картины Дега, Моне и Сезанна, которыми он восхищался. Не случайно Казимир Малевич отсчитывал начало своего личного художественного пути от первых импрессионистских этюдов, написанных им в Курске.

 

3. Женщина на трамвайной остановке, 1913 год «Женщина на трамвайной остановке », Казимир Малевич, 1913 г., Музей Стеделийк, Амстердам

 

Кубофутуризм занимал особое место в творческом пути Малевича. Увлекаясь авангардными стилями, живописца тянуло к простой геометрии. То, что началось с геометрических изображений крестьян, закончилось тотальной деконструкцией форм, которую можно увидеть в Женщина на трамвайной остановке . Картина создавалась, когда юный Малевич едва мог позволить себе холсты. Хотя он был беден и едва выживал, он все же активно продвигал зарождающийся русский авангард.

 

Женщина на трамвайной остановке была одной из 15 картин, которые Малевич подготовил к первой выставке русских футуристов. Картина представляет собой пазл, объединяющий, казалось бы, несовместимые предметы. Лестницы, архитектурные виньетки, календарь — все появляется на холсте, где эти кусочки жизни не рассказывают связной истории, а скорее предлагают зрителю ее придумать.

 

На картине фактически нет силуэта женщины. Вместо этого множественные искривленные формы напоминают трамвайную остановку, календарь указывает на течение времени и, возможно, участки дороги ведут в неизвестном направлении.

 

4. Англичанин в Москве, 1914 г. Англичанин в Москве Казимира Малевича, 1914 г., Музей Стеделийк, Амстердам

 

Одна из самых загадочных работ Малевича наряду с Женщина на трамвайной остановке , Англичанин в Москве соединяет воедино абстрактную геометрию, яркие цвета и штрихи реализма. Зеленоглазый человек противопоставлен рыбе, ложке, православному храму и каллиграфическим знакам на кириллице. Одна из них читается как «Конное общество», а другая комбинация букв образует загадочные слова «Затмение» и «Частичное». Насыщенная сцена оставляет зрителям еще одну загадку, намекая на связь между, казалось бы, случайными объектами. Футуристическая по своей природе картина — это еще и шутка, порывающая с традицией. Ведь некоторым зрителям это может показаться странным и даже отвратительным, но никогда не скучным и не привычным.

 

5. Супремус 56, 1915 Supremus 56 Казимира Малевича, 1915, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

Казимир Малевич заложил основы супрематизма в 1915 году, опубликовав свой манифест «От кубизма к супрематизму». В своем творчестве живописец провозгласил создание пути, который приведет к новому реализму. Новый реализм, задуманный Малевичем, означал беспредметное изображение действительности, свободное от всех ограничений. Прежде всего, супрематизм подчеркивал цвет и форму. Малевич твердо верил, что мастер не должен копировать природу, а должен создавать свои собственные новые миры. Одним из таких миров был его Супремус 56 .

 

Картина является одной из типичных супрематических картин, созданных Малевичем. Таким образом, он скрывает несколько секретов. Сначала его набросали карандашом от руки, оставив частично видимыми подрисовки. Во-вторых, четкие края были достигнуты благодаря тому, что художник полагался на шкаф, чтобы направлять свою кисть. После того, как шкаф подняли, он оставил характерный выступ, который остается там и сегодня, делая картину окном в уникальный мир, созданный уникальным человеком.

 

6. Черный квадрат, 1915 г. Черный квадрат Казимира Малевича, 1915 год, музей Тейт, Лондон

 

Среди всех картин Малевича есть одна, которую слышали почти все. Встречается в многочисленных репродукциях. Это вызывает споры и разжигает споры. Пресловутый Черный квадрат уже не картина, а социальный феномен.

 

Для реставратора сказка о Черном квадрате начинается с нетерпения художника. Малевич рисовал на поверхности своего мокрого холста, не дожидаясь его высыхания. В результате в кромешной черноте рисунка из-за поспешности Малевича появились так называемые кракелюры, трещины краски. Художник был известен своей небрежностью, которая впоследствии превратила многие его супрематические картины в треснутые произведения искусства. Черный квадрат — одна из таких капризных работ.

 

Черный квадрат, поставленный против солнца, впервые появился в 1913 году в декорациях к футуристической опере Победа над солнцем . Затем последовали еще два черных квадрата, каждый из которых символически заканчивал реалистическое искусство. В некотором смысле « черный квадрат » Малевича должны были объявить о новом начале и завершить предыдущие века художественного самовыражения. Преодолевая разрыв между футуризмом и конструктивизмом, Квадрат был «нулевой точкой живописи», отражением всего революционного и нового. Это был предшественник политического порядка, пришедшего после 1917 года, и заявление художника, который дожил до падения Российской империи и подъема Советского Союза.

 

7. Супрематическая композиция: Белое на белом, 1918 Супрематическая композиция: Белое на белом Казимира Малевича, 1918, через Музей современного искусства, Нью-Йорк

 

Сколько оттенков белого может различать глаз? Это был один из вопросов, на который Малевич пытался ответить своей картиной «Белое на белом» — еще одной супрематической картиной, которая сегодня у многих ассоциируется с художником.

 

Созданное в год после Октябрьской революции 1917 года, это произведение искусства является провокационным и новаторским. На белом холсте появляется монохромный квадрат, передающий ощущение цвета, глубины и объема. Критик-конструктивист, увидевший картину на выставке, якобы заявил, что это «абсолютно чистый белый холст с очень хорошей грунтовкой. С ним можно было что-то сделать».

 

8. Спортсмены, 1931  Спортсмены Казимира Малевича, 1931, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

В 1930 году Малевич был арестован и провел три месяца в тюрьме по сфабрикованному обвинению в антисоветской пропаганде. Новая власть медленно отворачивалась от его безудержного творчества, ставя под угрозу свободу художника. После освобождения Малевич вернулся к рисованию крестьян и рабочих, назвав свои новые начинания попыткой выразить супрематизм в форме человеческих фигур. Простота и народность, вдохновлявшие Малевича на протяжении всей его жизни, нашли выход в его примитивистском изображении тех, кто его окружал. Таким образом, его 9«0201 Спортсмены » стала одной из самых знаковых его супрематических картин.

 

В то время как супрематизм означал эмансипацию художника и его фигур, вырвавшихся из ограничений, Спортсмены продемонстрировали в полной мере триумф творчества и неповиновения. Картина показывает только энергию и динамику и игнорирует пространство, время, реальность и ряд других правил. Малевич писал, что его последние супрематические картины рождены отчаянием. Среди них протест 9-го0201 Спортсмены столь же ощутимы, как отчуждение Крестьяне .

 

9. Крестьяне, 1930  Крестьяне Казимира Малевича, 1930, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

Крестьяне — еще одна известная работа Малевича, знаменующая его переоценку супрематизма. Две фигуры в желтом и оранжевом стоят на фоне замысловатой парчи разноцветных полей, в то время как сталинские репрессии охватывают страну. Оба крестьянина безликие, их лица заменены смутными белыми масками. Гениальный, как всегда, художник-неосупрематик отразил безликий страх, который испытывал сам Казимир Малевич по отношению к растущему угнетению в Советском Союзе.

 

Это произведение было одним из последних исследований Малевича в области супрематизма. После ареста и осознавая ужесточение цензуры, Малевич начал сочетать супрематизм и неоклассицизм в своих работах, сохраняя при этом увлечение народной культурой.

 

10. Работающая женщина, 1933 г. Женщина-работница Казимира Малевича, 1933 год, Музей Тейт, Лондон

 

В 1933 году Малевич написал «неоклассический» портрет работницы. Это произведение до сих пор сбивает с толку критиков, которые не могут решить, что означает положение рук женщины. С одной точки зрения, рабочий держит ее руки так, что это напоминает знакомое положение рук Мадонны. В то время как младенец Иисус отсутствует, выражение лица женщины ошеломленное и прямое, ее щеки раскраснелись, а лицо побледнело. Работница ярко одета, пальцы мозолистые, жесты и поза напоминают знакомую христианскую иконографию.

 

Приспособившись к новым обстоятельствам, Малевич больше не обращался к религиозным темам, увлекавшим его в юности. Вместо этого он выбрал сплав традиций и посланий, создавая портреты, отражающие новый стиль социалистического реализма, а также разрывы, возникшие после сдвигов в политике и искусстве. В углу картины до сих пор можно различить подпись художника – черный квадрат, та самая пресловутая форма, которая стала тезкой Малевича и принесла ему всемирную известность.

 

11. Автопортрет, Казимир Малевич, 1933 г. Автопортрет Казимира Малевича, 1933, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

В 30-е годы Малевич заново открыл искусство Возрождения, привнеся в него наследие византийской иконописи и собственную супрематическую традицию. В одной из своих последних работ Малевич изображает себя гордым венецианским дожем, смотрящим вдаль. Неореалистический портрет представляет художника как патриарха, остающегося верным своему супрематическому прошлому, оставившего в углу в качестве подписи маленький черный квадратик. Старомодный халат противоречит авангардному черному квадрату и характеру новых советских вкусов, которые доминировали на культурной сцене России.

 

Через два года после того, как Малевич закончил свой ренессансный автопортрет, он написал еще один, напоминающий более поздние картины Веласкеса.

No related posts.